En medio de la tensión audiovisual que vivimos, con mas producción de las podemos consumir cada día, echemos la vista atrás en busca del placer y la seguridad de acertar. Gracias al DVD podemos recuperar una de las series históricas de la televisión, la mítica Colombo.

Las aventuras del despistado teniente de la policía de Los Ángeles, siempre con su gabardina y su destartalado coche. Con su esposa invisible y su actitud desconcertante. Lo cierto es que pasados tantos años desde su producción la serie mantiene su vigencia narrativa. Y no es un tópico. Además del contexto obviamente retro que pueda tener, sobre todo por la ambientación, la textura visual y la propia realización, la serie es un ejemplo de cómo contar historias, mantener el interés del despertador y suscitar ingeniosos juegos de intriga e inteligente socarronería.

El perfil del policía encarnado por Peter Falk está perfectamente dibujado. Los casos sabiamente plateados. Con un academicismo digno de la eficacia de un producto. Están editadas las 7 primeras temporadas en DVD. Todas son una joya. Y no solo para fanáticos.

La serie tuvo su estreno en antena en febrero de 1968. Y se ha ido rodando y emitiendo con el papel de Peter Falk como único nexo de unión. Variando el resto del equipo continuamente. Los argumentos responden a la estructura del espectador sabe lo que el personaje ignora. Se desvela el crimen en pantalla y vamos descubriendo (sufriendo o disfrutando) como los actores van diseccionando las pistas. Y casi siempre en razón de detalles aparentemente insignificantes.

En las primeras temporadas de la serie, entre sus realizadores figuraron Steven Spielberg o Jonathan Demme. Y entre los que se han puesto delante de sus cámaras como invitados estuvieron Johnny Cash, Martin Landau, Robert Vaughn, Dick Van Dyke, Faye Dunaway o José Ferrer, entre otros muchos. Se rodaron sesenta y ocho episodios. Todos refrescantes para el calido verano.

Locos por el fútbol con el planeta entero mirando a Sudáfrica pendiente del Mundial 2010. Un espectáculo que, claro, no podía ser de otra manera, ha pasado con gloria por el séptimo arte. Retratado con habilidad en el celuloide. Empezado por míticas cintas como Evasión o victoria, la peli ambientada en la Segunda Guerra Mundial que aireaba la pasión de la dignidad del equipo y, sin duda la referencia obligada. Pero no la única.

La gran final, aquella oda global que retrataba a unos mongoles, unos tuaregs y unos indios luchando tenazmente por un televisor en el que ver el partido final de otra Copa del Mundo. O la visión alternativa del balompié que es Quiero ser como Beckham, ya saben la adolescente que quería, por encima de todo, jugar al fútbol. Y que decir de Fuera de juego, sobre el hincha del Arsenal basada en la novela de Nick Hornby. El fútbol como catarsis personal. O como motor de una revolución individual, tal y como relataba Goool!, con el viaje iniciatico del fútbol de barrio al profesional.

Sin olvidarnos de la española El penalti más largo del mundo. Metáfora del fútbol de barrio, tan pasional y cercano. Tan humilde y generoso como una soberbia tragicomedia.

Pero los once jugadores de un equipo se mueven a ritmo musical. Si el cine lo ha visualizado, el pop lo ha pontificado en algunas ocasiones con algo más de morbo comercial. Ya saben la épica de las melodías. Canciones para el Mundial, discos oficiales de la FIFA, este año con Shakira de estrella. Y también música sobre lo que pasa sobre el césped. Desde luego la mas famosa aquel La copa de la vida que canto Ricky Martín para el mundial del 98, además de otros himnos oficiales interpretados por Anastacia o Vangelis. Y que decir de canciones sentidas como Maradona de Andres Calamaro y la que Mano Negra de Manu Chao dedicaron también al jugador argentino. O, mejor, el incombustible You’ll Never Walk Alone que adaptaron Gerry and the Peacemakers de un musical para convertirla en 1963 en el canto de una afición, la del Liverpool. Más minoritarios, los indies españoles también le han cantado al fútbol, Los Planetas en varias ocasiones, Habitación Roja con sabia ironía o Los Sencillos con cierto desdén por el deporte.

En fin, en estos días de fútbol, también cine y música sobre el terreno de juego.

Junio… el mes en el que llega el verano. Lo odio. Supongo que junio sólo resultaba atractivo cuando ibas al colegio y junio era equivalente a vacaciones. Una vez superada la etapa infantil, junio no tiene demasiados alicientes para los que detestamos el calor. Así que estoy muy excitada por haber descubierto que durante este mes ocurrirá un suceso emocionante : Universal pone a la venta en DVD y Blu-Ray El Hombre Lobo, la última versión llegada al cine (por el momento) de mi criatura mitológica y terrorífica favorita.

Cuando comencé a escribir en este espacio hace ya un año, quise dedicar mi primera entrada a Los Monstruos de la Universal. Así se conoce la serie de películas que desde la década de los años treinta del siglo XX produjo Universal Pictures. No faltó ninguno, Drácula, Frankenstein, El Hombre Lobo, El Hombre Invisible, Jeckyll & Hyde, La criatura de la Laguna Negra… El cine está plagado de interpretaciones sobre los mismos temas, y el de los licántropos es uno de los más prolíficos. Desde que Lon Chaney encarnara al hombre lobo en 1941, tenemos todo tipo de aproximaciones al tema. Humorísticas, filosóficas, de bajo presupuesto, revitalizadoras del género… Abbott y Costello contra los Fantasmas, Teen Wolf, En Compañía de Lobos, Aullidos, Un Hombre Lobo Americano en Londres, el Thriller de Michael Jackson, The Wolf, Underworld, Van Helsing, Santo y Blue Demon contra Drácula y El Hombre Lobo, Romasanta… sin olvidar la filmografía licántropa de nuestro añorado Paul Naschy. Los Hombres Lobo se han acabado colando en la imaginería sexual de los adolescentes a través de sagas como Crepúsculo, y están presentes hasta en las novelas de Harry Potter.

Por lo tanto no era de extrañar que se considerara un momento comercialmente aceptable para recuperar el mito en una película. Me alegra que Universal haya retomado ahora a uno de sus clásicos. Reconozco que al principio la idea no me atraía. Pensé que iba a tratarse de un film superficial y sin demasiada querencia por el género de terror. Tampoco soy de las que caen desmayadas antes las ojeras de Benicio del Toro. Así que mi acercamiento al visionado de esta película estaba lleno de reservas. Pues reconozco mi error y declaro que es una versión muy aceptable del clásico, con efectos especiales muy bien colocados dentro de la trama, una dirección standard dentro de los parámetros de Hollywood y unas interpretaciones a la altura de las circunstancias. Muy especialmente la de Anthony Hopkins.

Bien, según el calendario lunar, el 26 de junio hay luna llena. Si exceptuamos esa noche, cualquier otro momento será adecuado para que disfrutes este DVD en casa.

Son dos películas impresionantes unidas en un mismo pack. Una buena ocasión para disfrutarlas de nuevo. Ambas están relacionadas aquí por el año de su producción, 1996, pero para algunos también por el tono de la música que incluyen. Dos cintas con un gran valor para los amantes de la musica. De esas en las que su director ha sabido el papel que desempeña la música, no solo como ambientación o para subrayar algunas cosas. También un rol protagonista que refleja la explosión del pop y todos sus estilos emergentes del ya siglo pasado.

Trainspotting fue dirigida por Danny Boyle y esta basada en el libro homónimo del escritor Irvine Walsh. La historia básicamente se desarrolla en el submundo de Edimburgo, Escocia, Reino Unido. Una cinta de pasajes oscuros, ensombrecidos por la amoralidad de su protagonista, con un ritmo trepidante que llega a producir cierto desasosiego porque muchas veces nos muestra la perspectiva personal que provocan las adicciones. La obra fue particularmente controvertida por eso. La vieja discusión que hacer literatura sobre el lado sórdido de la vida y correr el riego de no dilucidar con claridad lo que esta bien y lo que esta mal. Su banda sonora es sencillamente magistral. Fue la plataforma de lanzamiento, por así decirlo, de Underworld y lo que eso significo para la música electrónica con aquel tema titulado Born Slippy. Pero también incluye interpretaciones de Primal Scream, Brian Eno, Iggy Pop, Letfield y Blur, entre otros. Impresionante como y en que momento de la película van sonando.

El Gran Lebowski fue dirigida por los hermanos Cohen. La suya es otra visión del submundo social. Un lió, un tanto tragicómico, en el que se ve metido el protagonista (Jeff Bridges), el nota, un tipo al que básicamente le gusta no hacer nada. Tiene cierto aire costumbrista, de la sociedad urbana, y un punto nihilista. Mención especial para John Turturro que hace el papel de Jesús Quintana en la película y esta espectacular.

En su banda sonora hay hasta un guiño a los legendarios Kraftwerk. Pero sobre todo un desparrame melódico exquisito que acompaña al trazo del personaje principal. Desde los Gipsy Kings haciendo el Hotel California de los Eagles a Henri Mancini, Carlos Santana, Bob Dylan o Elvis Costello. Una gozada.

Dos películas consideradas de culto, unidas por el calendario, por la singularidad de sus guiones, el talento de sus directores y, para nosotros también por el valor de la música que incluyen.

Aprovecho la publicación en DVD de la tercera temporada de esta serie para recomendarla desde este rincón. Es más, te invito a disfrutar las tres primeras temporadas del tirón. Es la ventaja que da poder revisarlos programas de televisión desde el salón de casa, así se capta con claridad la evolución de los personajes y las tramas.

Xena, la Princesa Guerrera se ha emitido en las televisiones del mundo en horario infantil, para deleite de los millones de pequeños seguidores que se han divertido con las aventuras propias de una serie de acción. Pero no te dejes engañar. Sí, es una serie de acción, con grandes dosis de humor y efectos especiales más que decentes. Pero también esconde sorpresas para el que sepa encontrarlas. El argumento nunca se aleja demasiado de cuestiones filosóficas y religiosas, del sentido de la vida, la muerte, el deber o el destino. En teoría está ambientada en la antigua Grecia, pero en varios episodios hay encuentros con épocas y personajes históricos que nada tienen que ver con esa antigüedad. Las intrusiones de los dioses del Olimpo son las propias de cualquier narración mitológica (de hecho La Princesa Guerrera es un spin-off de otra serie, Hércules : sus viajes legendarios, donde Xena apareció en varios capítulos). Pero la mezcla entre todos estos conceptos es lo que convierte a esta creación televisiva en única.

Hay un culpable, el productor, Sam Raimi, uno de los directores y guionistas más personales de Hollywood. Atrás quedan sus primeras películas, cuando revolucionó el uso de la cámara y del cine de terror con Posesión Infernal (Evil Dead) y sus secuelas. Ahora triunfa con las entregas cinematográficas de Spider-man, escribe sin parar y se divierte produciendo series y películas. Desde los inicios de su carrera ha contado con dos cómplices, su hermano Ted Raimi (Joxer el amigo de Xena) y Bruce Campbell (Autolycus, otro de sus compañeros de correrías), que además dirige algunos capítulos de esta tercera temporada..

Lucy Lawless es Xena, paradigma nada convencional del papel de las mujeres en este tipo de historias. Autosuficiente, fuerte, decidida, leal, en lucha continua contra su destino… una guerrera en toda regla. Renée O’Connor da vida a su inseparable amiga, compañera y confidente, Gabrielle. La evolución de la relación entre ambas es uno de los ganchos por los que conviene revisar un capítulo tras otro. Los guionistas han jugado con la ambigüedad de su amor y las han convertido en dos heroínas lésbicas, dos símbolos de libertad más allá de lo que una serie de entretenimiento infantil hace prever.

Lo dicho, es una caja de sorpresas…

Xena, la Princesa Guerrera

Alaska continúa en la segunda entrega de nuestro recién estrenado videoblog. En esta ocasión habla de la saga HELLBOY, dos películas llenas de acción espectacular y desbordante imaginación que adaptan el cómic de culto de Mike Mignola de la mano del genial director Guillermo del Toro.

Alaska inaugura el nuevo formato de videoblog del Paseo de las Estrellas. A partir de hoy, no sólo podrás leer las opiniones de nuestras estrellas, también les verás y escucharás. En esta ocasión, el título elegido es la película OCHO MUJERES (2002), y Alaska nos ofrece su particular visión sobre ella.

Ahora por fin está toda la serie Doctor en Alaska en un único pack. Las seis temporadas juntas para deleite de los sentidos y la inteligencia. Como diría un comercial de los de antes, una oportunidad que no se debe dejar pasar. Doctor en Alaska, Northern Exposure en su titulo original, marco un antes y un después en las series. La definición de los personajes, la peculiaridad de su trama, la idea misma que genero el guión de cada uno de sus ciento diez capítulos producen una vitalidad asombrosa. Y la sana creencia en la genialidad del ser humano, por separado o en colectivo. Y en lo estimulante de la vida cotidiana.
La serie tiene un punto de surrealismo desbordante, de realismo mágico que se mezcla con la crónica sicológica. Un medico judío neoyorquino y, por eso urbanita, que acaba en un pequeño pueblo de Alaska donde no solo la naturaleza es exuberante sino que el paisanaje, mas que le paisaje si cabe, deslumbra en cada momento.
Joel Fleischman es el medico racionalista que consiguió licenciarse gracias a una beca del pueblo a cambio de ejercer allí luego su profesión durante unos años.
Maggie O’Connell es la mujer independiente que trabaja como piloto y su eterna casi pareja sentimental. Llego a Alaska huyendo de la vida burguesa que le reservaba su familia en Michigan y acabo siendo protagonista de una extraña maldición por la que van muriendo sus sucesivos novios, uno congelado, otro envenado y hasta otro que falleció por caérsele encima un satélite. Chris Stevens es el locutor de la emisora local, K Oso propiedad del acaudalado ex astronauta Maurice Minnifield. Dos personajes antinómicos y extravagantes que sustentan el ánimo de la comunidad.
Ed es el joven aspirante a cineasta. Holling es el dueño del Brick, el bar de la ciudad. Shelly su chica y antigua miss canadiense. Sin olvidarnos de Marilyn, la discreta y perspicaz ayudante del doctor.
La serie se rodó en realidad en el pueblo de Roslyn en el estado de Washington, al noroeste de Estados Unidos, no confundir con la ciudad capital del país, y hoy todavía es lugar de peregrinaje turístico para los fans de la serie en todo el mundo. Y si ven parte de su armazón argumental en alguna reciente serie española con medido que llega de Nueva York hasta un pequeño pueblo asturiano puede que no sea casualidad. El original es Doctor en Alaska. Y es una delicia.

Doctor en Alaska

Ahora que las vacaciones de Navidad están a la vuelta de la esquina, y ante la perspectiva de citas sociales y avalanchas de gente en todas partes, toca relajarse y disfrutar con alguna comedia ligera. Entre la oferta navideña de desventuras de Santa Claus, espíritus navideños y demás, se tercia algo diferente y para eso tenemos este mes, bien “calentita”: “American Pie: El libro del amor“.
Esta veterana saga nos embarca en un nostálgico viaje a la comedia gamberra más disparatada y transgresora que reinó durante los años 80. El despertar sexual y las aventuras (más bien desventuras) de un grupo de adolescentes con las hormonas disparadas ha sido el hilo conductor de las, hasta ahora, siete películas. Jim, Stiffler, Finch y compañía nos hicieron reír a carcajadas con sus torpes intentos por perder la virginidad antes de ir a la universidad. Vivimos sus desengaños, sus conquistas, su descubrimiento del mundo adulto (a pesar de las apariencias, estas películas tienen más fondo del que aparentan), su amistad e incluso alguna que otra boda…

Ahora le toca el turno a la siguiente generación, deslumbrada por las “hazañas” de sus hermanos mayores y dispuesta a superarlas a toda costa. Matt Stiffler toma el testigo de su peculiar hermano y nos embarca en cuatro nuevas aventuras, demasiado fuertes para mostrarse en cines: “Band Camp”, “Una fiesta de pelotas”, “Fraternidad Beta” y “El libro del amor”.

En esta última entrega, los chicos del instituto East Great Falls descubren, oculta en la biblioteca del centro, “La Biblia”, pero no se trata del Libro Santo, sino del manual definitivo sobre el sexo, algo así como “Perder la virginidad para torpes”. Tan sólo hay un “pequeño” problema: faltan algunas páginas, lo que dará pie a malentendidos, confusiones y risas garantizadas.

Entre fiestas, turrón y empacho navideño, no está de más un trozo de pastel americano para poner una sonrisa en nuestra cara ahora que el frío aprieta.

La primera promoción de American Pie

Ahora que llegan las fiestas navideñas con su carga de buenos deseos y familias felices, quiero presentaros a uno de los clanes más alegres de la pequeña pantalla : la familia Monster, o Los Munsters, su nombre en la versión original en inglés. La serie se estrenó en Estados Unidos en 1964 y con tan sólo dos temporadas grabadas se emitió en medio mundo, por no hablar de las continuas reposiciones que la han convertido en un programa de culto. De hecho, cuando yo presenté en Televisión Española La Bola de Cristal a mediados de los años ochenta, se emitieron reposiciones de los capítulos y fueron descubiertos por una nueva generación. Así que ahora no pierdo la oportunidad de recomendaros que echéis un vistazo al pack con las dos temporadas que ha editado Universal. Es un pequeño tesoro para los que nunca han oído hablar de esta pintoresca familia y una delicia para los que quieren revisar sus aventuras.

La idea es muy sencilla, pero funciona a la perfección. Es un retrato de la familia norteamericana típica, un pequeño estudio antropológico de los desvelos de la clase media y sus pequeñas miserias. Algo parecido a la idea que la productora de dibujos animados Hanna-Barbera puso en práctica con Los Picapiedra. Sólo que esta familia no tiene un aspecto, digamos, normal. Herman Munster, el padre, es un gigante Frankenstein. Lily, la madre, es una preciosa vampira (personaje inspirador de más de un look gótico en la actualidad). El Abuelo, padre de Lily, viene de Transilvania y es heredero de la estirpe draculiana. El hijo pequeño, Eddie, es un pequeño hombre lobo, y la hija mayor, Marilyn… bueno, con ella tienen un problema. Es alta, rubia, de ojos azules, guapísima a los ojos de los demás mortales, pero una desgracia para su familia, que no encuentran en ella asomo de hermosura.

Los Munster no entienden por qué la gente se asusta de ellos e intentan llevar una vida normal. Los capítulos recogen sus anécdotas cotidianas intentando integrarse en una sociedad que no les comprende. Esto no deja de ser una comedia de entretenimiento, pero hay mensajes ocultos que se pueden leer entre líneas, como que esta familia es mucho más normal y feliz que otras con las que se encuentran, que no hay que juzgar a los demás por su apariencia ni porque sean diferentesy que, a veces, la vida se presenta al revés.
Bienvenidos al número 666 de la calle Pájaro Burlón, donde se encuentra la mansión de esta familia entrañable. No se me ocurre nada mejor para pasar las Navidades, y ya me diréis luego si vuestra familia es tan simpática como ésta.

Cortinilla de la serie